Altroquando presenta

Bizzarro Magazine Vol.1-Kaboom!
Laboratorio Bizzarro

Saranno presenti i curatori Daniele Silipo e Alessandra Sciamanna,
il regista Enrico Caria (autore della prefazione), i saggisti Roberto Carlo Deri e Gianfranco De Turris,
e i collaboratori che hanno contribuito alla realizzazione del volume.

a seguire proiezione del cult post-apocalittico Le dernier combat di Luc Besson, organizzata all’interno della Rassegna Finimondi.

Bizzarro Magazine è una nuova collana editoriale di libro/riviste monografiche legate al mondo del cinema, che unisce assieme saggistica, fumetti, racconti, illustrazioni, stimoli e invenzioni. Il primo volume “Kaboom!” ha come tema il dopo apocalisse e la fine del mondo.  All’interno: quattro fumetti formato trailer (Massimo Dall’Oglio, Christian G. Marra, Alexander Kostenko, Camme Fantaman), il dizionario essenziale del cinema post-apocalittico in 100 titoli fondamentali, due racconti per immaginare la “fine”, dieci consigli steampunk per sopravvivere all’apocalisse, foto rare, illustrazioni esclusive da tutto il mondo, approfondimenti su Ken il Guerriero, Wasteland, End Time Movies, Il medioevo prossimo venturo e tanto altro. Prefazione di Enrico Caria.

The Pedro Almodovar Archives

di Paul Duncan, Barbara Peirò

Taschen
€150

The Art of Walt Disney

di Christopher Finch

Abrams
€81,00

The Art of Pixar

di Amid Amidi

Chronicle Books
€47,2

The Pop-up Books of Phobias

di Gary Greenberg

Harper Collins
€36

M.C. Escher Pop-ups

di Courtney Watson McCarthy

Thames&Hudson
€30

Jeaux T’aime. Pop-up pour adultes

di Raphael Vidaling

Tana Editions
€55

Taxi Driver

di Steve Shapiro

Taschen
€750

Marilyn Monroe

Taschen

di Bert Stern e Norman Mailer
€750

Kill Bill Diary
di David Carradine
prefazione di Giona A.Nazzaro

Edizioni Bietti

anteprima romana

Intervengono Federica Aliano (The Cinema Show/Alphabet) e Boris Sollazzo
A seguire proiezione di Kill Bill Vol.2, di Quentin Tarantino, 2004, 132 min.

Questo diario di David Carradine, come tutti i libri utili, si può leggere in molti modi. Autobiografia di una ex star al tramonto che sogna il riscatto, come making of di un capolavoro, reportage sugli aspetti meno noti e appariscenti della macchina cinema, ma anche thesaurus di curiosità e spigolature intime dal cuore dello spettacolo hollywoodiano. Persino, infine, come un ritratto trasversale di Quentin Tarantino.

David Carradine è stato un autentico figlio del cinema. Nato a Hollywood nel 1936 da John Carradine, divo del western hollywoodiano anni Trenta e patriarca di una delle dinastie di attori più longeve del cinema americano, arriva a cambiare il vero nome John Arthur quando un produttore gli dice che con quello potrebbe essere confuso col padre. La sua carriera resta però unica e irripetibile: attore instancabile e impreziosito, nel volto e negli occhi, da una vena di sincera e solitaria malinconia, a partire dagli anni Sessanta macina film l’uno dietro l’altro, “umiliando” le proprie doti in mediocri film di genere e di cassetta ma recitando anche per Altman, Scorsese, Hill, Bergman e, beffa o destino?, diventando celebre soprattutto per film di arti marziali, come la serie tv Kung-Fu. Infine, come già per John Travolta, è Quentin Tarantino a regalargli l’ultima consacrazione nonché il ruolo della vita. Vita che, eccentrica com’era nata e proseguita, gli chiede il conto (‘bill’, in inglese) in una maniera che più cinematografica non si può: Carradine viene trovato impiccato nella camera del suo albergo di Bangkok il 3 giugno 2009. Suicidio? Omicidio? Regolamento di conti? Estrema pratica sessuale finita male? No, leggenda.

The Fincher Network. Fenomenologia di David Fincher
a cura di Roberto Donati e Marcello Gagliani Caputo

Edizioni Bietti

intervengono Francesco Del Grosso, Marcello Gagliani Caputo, Mario Sesti

a seguire proiezione di Seven, di David Fincher, 1995, 121 min.



The Fincher Network. Fenomenologia di David Fincher è il titolo di questa raccolta di saggi a cura di Roberto Donati e Marcello Gagliani Caputi, Edizioni Bietti. Il volume comprende vari interventi critici volti ad analizzare l’opera del regista di Fight Club.

Tra i più apprezzati protagonisti del cinema americano contemporaneo, Fincher inizia la sua carriera dirigendo videoclip e pubblicità, per poi esordire sul grande schermo con il terzo capitolo della saga di Alien, nel 1992.
La raccolta è tutta tesa alla ricerca di un filo conduttore nell’opera fincheriana. Autorialità difficile da definire, perchè il nostro è trasversale ai generi. Come un novello Sidney Lumet, Fincher passa con estrema disinvoltura dalla fantascienza al thriller alla screwball comedy.
Tra gli altri, è il saggio di Roy Menarini ad affrontare questo problema, individuando alcuni nodi tematici che danno la misura del Fincher autore. In particolare è significativa la presenza di gruppi di persone, secondo Menarini forme di aggregazione sub culturale, sottoposti a situazioni di estrema tensione e crisi. Passando in breve rassegna l’opera fincheriana, il critico dimostra agevolmente come ogni film risponda almeno in parte a questo modello, da Seven a The Game a Panic Room. Fino ad arrivare all’estremo compimento rappresentato da The Social Network, dove il gruppo emerge dal sottosuolo per divenire infine istituzione globalizzata. Altro esempio limite è  Zodiac, film in cui la comunità tutta si trova a dover fronteggiare uno spietato, e imprendibile, nemico esterno: in questo Menarini legge un chiaro riferimento all’America contemporanea, post-11 settembre.

Ma sono tutti i saggi di The Fincher Network a trattare argomenti di elevato interesse: ancora il nodo dell’autorialità, questa volta secondo Daniele Dottorini; Seven e Zodiac come esempi di una differente declinazione del thriller, Claudio Bartolini; il senso di colpa dei personaggi fincheriani nella lettura di Roberto Donati, e altro ancora.
La prefazione, opera di Mario Sesti, introduce in maniera efficace i temi trattati nella raccolta. Buona lettura!

The Fincher Network, a cura di Roberto Donati e Marcello Gagliani Caputo, Edizioni Bietti, €14

Strane Storie
Il cinema e i misteri d’Italia
a cura di Christian Uva

Rubbettino

intervengono
Enrico Carocci, Andrea Minuz, Guido Panvini e Ivelise Perniola
Modera l’incontro Guido Vitiello

a seguire, proiezione di La polizia ha le mani legate, regia di Luciani Ercoli, 1974, 93 min.

Dal 1969 al 1984 le cosiddette Stragi di Stato hanno provocato nel nostro paese 150 morti e diverse centinaia di feriti. Se il disegno politico dietro queste vicende è chiaro, un combinato micidiale di estremismo di destra e apparati statali, molti sono ancora i punti oscuri che rimangono celati dietro il conveniente termine “segreti di Stato”. Così come non del tutto chiariti sono alcuni casi, dalla morte di Enrico Mattei a quella di Aldo Moro, passando per il delitto Pasolini, le cui ricostruzioni ufficiali appaiono insufficienti e omertose, laddove non scopertamente eversive.

Strane Storie. Il cinema e i misteri d’Italia, questo importante volume di saggi curato da Christian Uva per Rubbettino, ci racconta come il nostro cinema ha rappresentato questi eventi, in un periodo storico che dall’inizio degli anni settanta arriva fino al recente passato. Da Piazza Fontana (12 dicembre 1969), fino al G8 di Genova, luglio 2001. Con il significativo anteffato della strage di Portella della Ginestra, vero e proprio battesimo di fuoco della nostra Repubblica, avvenuta il 1 maggio 1947.
Lo stesso Uva, nel suo intervento introduttivo, propone di utilizzare il termine misteri in luogo di segreti, più comune in ambito politologico e giudiziario. La dimensione del mistero, infatti, meglio si adatta ad un discorso che indaga le modalità e le strategie del racconto cinematografico. I protagonisti dei film e delle serie televisive presi in esame spesso si scontrano con un vero e proprio “muro di gomma” costituito dal continuo gioco di omissioni, ambiguità e depistaggi attraverso i quali il potere protegge se stesso, riproducendosi e conservandosi. Essi, per usare le parole di Uva, nella loro ricerca della verità “si ritrovano di fronte a un fitto groviglio di fili solo apparentemente e provvisoriamente sbrogliabile”. Il mistero, in tale contesto, “assume il significato dello scacco cui è immancabilmente destinata quella medesima ricerca della verità”.
Spesso lo scacco, questo scoprirsi inermi di fronte alle trame occulte di un potere non facilmente localizzabile, si traduce nell’elaborazione di teorie ossessivamente dietrologiche. Questo tipo di approccio è definito da Alan O’Leary “stile paranoico”, in riferimento al cinema di registi come Giuseppe Ferrara o Renzo Martinelli, autori di Il caso Moro e Piazza delle cinque lune. Al centro delle due pellicole, com’è noto, c’è la vicenda del rapimento e dell’uccisione di Aldo Moro. Un cinema dalla verve complottistica quasi esclusivamente finalizzata ad esigenze spettacolari, che rimane sostanzialmente improduttivo. Non produce, cioè, vera conoscenza. Tralasciando giudizi estetici sulle singole opere, ciò che resta al termine della visione è quindi un senso di completa passività nei confronti di un potere tentacolare, invincibile. E forse lascia anche un po’ di confusione nello spettatore, alle prese con un caleidoscopio di cattivi maestri, poteri forti e burattinai (ora americani, ora sovietici, ora di chissà quale nazionalità).
Altro discorso è invece quello che riguarda le opere di Francesco Rosi ed Elio Petri.
A Rosi è dedicato il saggio di Anton Giulio Mancino, che analizza in particolare la genesi del capolavoro Il caso Mattei. Pellicola che nella sua equilibrata commistione tra fiction e inchiesta giornalistica rappresenta forse la vetta della filmografia rosiana. In mancanza di una verità data, seppellita ancora una volta da depistaggi e silenzi interessati, la strategia narrativa di Rosi instilla il dubbio al posto della certezza, spinge alla ricerca e all’analisi piuttosto che alla resa. Non sono evocati fumosi complotti ma cause e trame possibili.
Anche il cinema di genere, oggetto delle riflessioni di Roberto Curti, contribuisce alla mappatura cinematografica di un pezzo importante della nostra storia. Soprattutto nei tanto vituperati “poliziotteschi”. I protagonisti di questi film sono spesso e volentieri “sbirri con le mani legate”. Personaggi, cioè, che intuiscono il disegno eversivo scontrandosi però con superiori e istituzioni corrotte, marce. Di nuovo, quindi, lo scacco cui è costretto chi intraprende il “processo della verità”.
Il documentario è invece al centro dell’intervento di Ivelise Perniola. Momento centrale è rappresentato dal dittico costituito da Giuseppe Pinelli, regia di Nelo Risi, e Ipotesi sulla morte di Giuseppe Pinelli, di Elio Petri. Il film è girato nel 1970, subito a ridosso di quella strage di Piazza Fontana della cui realizzazione il ferroviere fu inizialmente sospettato, ancora prima di Valpreda. Particolarmente interessante è il segmento di Elio Petri, nel quale gli attori, tra cui Gian Maria Volontè, mettono in scena le tre differenti versione fornite dalla Procura di Milano sul defenestramento dell’anarchico. Evidenziando, ancora una volta, ambiguità e omissioni.
Un altro film di Elio Petri collegato alla Strage di Piazza Fontana, ma questo volta girato in anticipo rispetto ai tragici fatti del 12 dicembre 1969, è il celebre Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto. Andrea Minuz sottolinea il carattere profetico della pellicola, merito ovviamente della capacità di osservazione della realtà di regista, sceneggiatori e interpreti. Kafkianamente imprigionato nell’impossibilità di provare la sua pure evidente colpevolezza, l’ispettore di polizia interpretato da Gian Maria Volontè è impareggiabile sintesi di un potere che uguale a se stesso si trasmette nel corso dei decenni, seppure diverso nei nomi e nei volti. A saper guardare la storia è sempre la stessa, da Portella della Ginestra ’47 a Genova ’01.

Strane Storie. Il cinema e i misteri d’Italia, a cura di Christian Uva, Rubbettino, 16€

L’uomo che  cadde sulla terra. Nicolas Roeg: il tempo, l’altrove e il cinema alchemico
di Marco Chiani

Profondo Rosso Edizioni

Interviene Bruno Roberti, critico cinematografico e docente di Regia all’Università della Calabria.

Dapprima direttore della fotografia per Truffaut e Lean, Schlesinger e Lester, l’inglese Nicolas Roeg ha firmato la regia di pellicole di culto come Sadismo (1970), L’inizio del cammino (1971), A Venezia… Un dicembre rosso shocking (1973), L’uomo che cadde sulla Terra (1976), Eureka (1983), Mille pezzi di un delirio (1988) e Morti oscure (1995). Cineasta fiammeggiante e facilmente riconoscibile grazie ad un uso innovativo del montaggio, è autore di un’opera di rara coerenza in cui tornano ossessivamente i temi dello scorrere del tempo, della felicità sfumata e della sopraffazione del vecchio sul nuovo.

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di Geoffrey Macnab
Minimum Fax
14€
183 pagine

Uscito nella sale nel 1976, vincitore della Palma d’Oro al Festival di Cannes, Taxi Driver è considerato uno dei più importanti film della storia del cinema. Estremamente violento, di una violenza sotterranea, endemica, che esplode e si fa quasi splatter nel finale, Taxi Driver lanciò definitivamente il regista Martin Scorsese. Così come ebbe l’indubbio merito di consacrare Robert De Niro, la cui interpretazione nel ruolo di Travis Bickle resta una delle più incredibili performance attoriali cui si sia mai assistito.
Pubblicato nel 2005 e recentemente tradotto dalla Minimum Fax, il libro di Geoffrey Macnab rappresenta una sorta di making of del capolavoro scorsesiano. Dalla scelta del cast alla realizzazione delle riprese, Macnab analizza con gusto aneddotico i retroscena della pellicola, con l’obiettivo di far rivivere la “verità” del set. Gli ultimi capitoli sono invece dedicati alla ricezione critica e alla forte influenza che Taxi Driver continua ad avere nella costruzione di tutto un immaginario cinematografico, nella rappresentazione di un certo tipo di violenza.

Cinema e tecnologia. La rivoluzione digitale dagli attori virtuali alla nuova stagione del 3D
a cura di Mario Gerosa
Le Mani
16€
228 pagine

Casa editrice molto attenta al mondo del cinema, con numerose pubblicazioni annuali, sempre di buon livello, la ligure Le Mani esce ora con questo libro dedicato alla rivoluzione tecnologica che investe la settima arte. Digitale, virtuale, sintetico: sono le parole d’ordine di questa rivoluzione. Curato da Mario Gerosa, il volume raccoglie una serie di saggi che affrontano nella maniera più completa possibile gli effetti che le nuove tecniche hanno non solo da un punto di vista produttivo, ma anche teorico-estetico. Cambia, ad esempio, anche la condizione di noi spettattori, con i nostri begli occhialetti 3D, così come cambia radicalmente la percezione dello spazio cinematografico. Corpi e oggetti scagliati verso di noi, invadono la sala, debordano dallo schermo.
Il cinema del futuro in dodici saggi insieme dotti e appassionanti.

La filosofia di Woody Allen
di Roland Quilliot
Mimesis
17€
159 pagine

Sebbene la vena creativa si sia un poco appannata nel corso del tempo, Woody Allen resta uno dei registi più importanti e influenti degli ultimi trent’anni, che lo si ami o meno. Impressionante è il numero di libri dedicati alla sua produzione cinematografica, del resto altrettanto vasta (come tutti sanno, il nostro viaggia alla notevole media di un film all’anno). Il testo di Roland Quillot, dal titolo quanto mai esplicito, interpreta la filmografia del regista di Zelig ponendola in stretto rapporto con la filosofia, che con la psicanalisi è il tema preferito dalla letteratura critica alleniana. Ed del resto i film di Woody Allen sono zeppi di riferimenti, più o meno seri, alla filosofia, come la citazione tratta da Il dittatore dello stato libero di Bananas, posta in apertura del libro, adeguatamente ci illustra:
Ho spulciato un po’ il Kierkegaard…

Strane Storie. Il cinema e i misteri d’Italia
a cura di Christian Uva
Rubbettino
16€
219 pagine

Christian Uva è studioso da sempre attento al nesso tra cinema, politica e storia, con un occhio di riguardo a quel periodo storico del nostro paese che viene detto “anni di piombo”. I saggi presenti in questo volume, curato dallo stesso Uva, riflettono sulla rappresentazione cinematografica dei numerosi misteri che da quegli anni provengono. Misteri, casi mai risolti come quello di Ustica, nel saggio di Gius Gargiulo che riprende il famoso film di Marco Risi, o il delitto Pasolini, portato sullo schermo da Marco Tullio Giordana e qui analizzato da Anna Paparcone. E ancora, le trame della strategia della tensione viste da Andrea Minuz che rivede Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto, il caso Moro, mafia e politica, fino ad arrivare al G8 di Genova nel saggio di Enrico Carocci. Un libro molto interessante, addirittura fondamentale per chi vuole capire le modalità attraverso cui il nostro cinema racconta il Paese.

Altroquando presenta

Cripte e incubi. Dizionario dei film horror italiani
di Manuel Cavenaghi

Bloodbuster

Dal sito di Bloodbuster
Dopo il volume sul poliziesco degli anni di piombo (ancora più… CINICI INFAMI E VIOLENTI – Dizionario dei film polizieschi italiani anni ‘70), quello sulla fantascienza degli anni paninari (CONTAMINATIONS – Guida al fantacinema italiano anni ‘80) e quello sui James Bond di Cinecittà (SEGRETISSIMI – Guida agli spy-movie italiani anni ‘60), ecco finalmente un altro tassello nella nostra bibliografia dedicata alla riscoperta dei “generi” del cinema nostrano: il tanto atteso libro sugli horror movie.

Lo strano caso del Dr. David e di Mr. Cronenberg
di Alessandro Aronadio
Bietti Edizioni

interviene Luca Lardieri

a seguire proiezione di Rabid, di David Cronenberg

Il Doppio ritorna in maniera ricorrente nella storia del cinema. In una delle più celebri variazioni sul tema, Vertigo (La donna che visse due volte, 1958), regia di Alfred Hitchcock, James Stewart interpreta Scottie, ex-poliziotto ossessionato da Madeleine-Judy (Kim Novak). La trama del film è arcinota. Ciò che in particolare ci interessa è la disperata condizione di Scottie, il quale cerca (di far risorgere) l’amante perduta facendo rivivere Madeleine attraverso Judy, trasformando quest’ultima in un perfetto clone della prima. Il fatto che poi le due siano realmente la stessa donna, dato di cui lo spettatore viene hitchcockianamente a conoscenza prima del protagonista, rende il quadro ancora più perturbante. Siamo di fronte ad una rappresentazione dell’innamoramento come auto-inganno, sospensione dell’incredulità, stato mentale ossessivo. Scottie letteralmente impazzisce, precipita nella spirale vertiginosa del titolo, fino allo straordinario finale in cui l’oggetto amoroso si auto-distrugge gettandosi nel vuoto. Portando, forse, Scottie alla guarigione. In questo caso il Doppio assume dunque, tra i tanti possibili aspetti, quello della reincarnazione della donna amata.

Vertigo viene brevemente citato anche in Lo strano caso del Dr. David e Mr. Cronenberg, fondamentale saggio di Alessandro Aronadio, pubblicato da Bietti. L’autore, anche regista, affronta il tema del Doppio in maniera esaustiva, dotta ma al tempo stesso avvincente. La ricognizione investe i campi della mitologia, dell’antropologia, della cultura. Seguendo le teorie di Freud, Jung, Lacan, Aronadio ci dice dell’uomo come individuo scisso, non risolto. Questa scissione è spesso incarnata dal Doppio, su più disparati livelli, con connotati ora minacciosi ora rassicuranti. La percezione di un proprio lato (più o meno)oscuro può da un lato portare alla pazzia e all’annientamento, ma anche, più raramente, ad una maggiore consapevolezza del sè. Letteratura e cinema, da Plauto a Cronenberg, da Dostoevskij a Hitchcock, rappresentano di continuo questo scenario. In maniera mai banale, Aronadio interseca la teoria con esempi tratti dai più svariati testi, e contesti, per arrivare infine all’oggetto vero e proprio dell’analisi. E cioè  il film Dead Ringers (Inseparabili, 1988) di David Cronenberg. I protagonisti del film sono due gemelli, i Mantle, interpretati da un Jeremy Irons ovviamente raddoppiato. Come impariamo leggendo questo saggio, quella dei gemelli, oltre ad essere ennesima figura del Doppio, è una condizione paradossale: essi a discapito delle apparenze “non sono uguali”. All’interno della coppia gemellare non facciamo altro che ritrovare, in maniera esasperata, quelle contraddizioni e ambiguità, quella scissione propria della condizione umana. Solo che non avendo a che fare con individui “classici” (semplificando quel che dice Aronadio, essi sono invece divisi sin dalla nascita), la vertigine, ancora lei!, scientifica e filosofica diventa evidente, e ricca di significati.
Inoltre, riprendendo le teorie dello psicologo francese Renè Zazzo, Aronadio vede nella coppia gemellare “l’estremizzazione di qualsiasi aspetto che concerne una classica “stora d’amore (…) C’è la spinta all’intimità e la pulsione all’allontanamento, il bisogno di dipendenza e la ricerca della più totale individuazione”. Alla luce di ciò che accadde ai fratelli Mantle nella pellicola di Cronenberg, queste osservazioni diventano ancora più pertinenti. Ed è proprio questo uno dei pregi del saggio di Alessandro Aronadio, spingere cioè il lettore a guardare con nuovi occhi il testo filmico preso in esame.
Le ultime venti pagine di Lo strano caso del Dr. David e di Mr. Cronenberg sono quindi dedicate all’analisi di Inseparabili, che, nella scia dei temi trattati in precedenza, arricchisce di nuovi risvolti la visione non solo di questo film, ma di tutta la filmografia del regista canadese.

l’autore
Alessandro Aronadio, classe 1975, è scrittore, fotografo, sceneggiatore, regista. Laureato in Psicologia, nel 2001 vince una borsa di studio Fulbright e si diploma in regia cinematografica alla Los Angeles Film School. La sua opera prima per il cinema, Due vite per caso, un film sul “doppio”, è stata presentata con grande successo di pubblico e critica alla Berlinale 2010. Vincitore di numerosi premi, il film è stato selezionato in diversi Festival internazionali e venduto in molti Paesi.

Lo strano caso del Dr. David e di Mr. Cronenberg. Saggio sul Doppio nel Cinema, di Alessandro Aronadio, Bietti, €18

Altroquando presenta

La regia di frontiera di John Carpenter
un libro di Pier Luigi Manieri
Elara

interviene Emanuele Merlino

Il libro di Pier Luigi Manieri che vi presentiamo analizza in maniera completa ed originale la filmografia di John Carpenter, il regista di Halloween e 1997: fuga da New York. Partendo dal legame tra Carpenter e gli altri registi suoi contemporanei, la seconda generazione della New Hollywood, Manieri passa poi ai singoli film, alle tematiche, agli attori e perfino ai nomi ricorrenti nell’universo carpenteriano.
Giudicato, e a ragione, come uno dei maestri del nuovo horror, John Carpenter ama definirsi un regista western, dichiarando in più di un’occasione il suo debito nei confronti di Howard Hawks. Ed è proprio ad un western di Hawks, Un dollaro d’onore, che si rifà Distretto 13: le brigate della morte, uno dei titoli più famosi di Carpenter. La situazione base delle due pellicole è infatti la stessa: un eterogeneo e improbabile gruppo di individui, i buoni, è letteralmente assediato dai cattivi che, seppur in apparenza meglio organizzati, finiscono col soccombere. In Distretto 13 i cattivi sono gli appartenenti ad una spietata gang losangelina, che non esita ad uccidere una bambina, in una sequenza agghiacciante come poche. Film violentissimo, ovviamente, che forse deve qualcosa anche ad un’altra pellicola di Hawks, Rio Lobo (realizzato comunque sul canovaccio di Un dollaro d’onore, quindi tutto torna…).

Di questo e altro parleremo domenica 2 ottobre alla presenza dell’autore di La regia di frontiera di John Carpenter, Pier Luigi Manieri, che sarà accompagnato nel dibattito da Emanuele Merlino. A seguire, proiezione di Halloween, capolavoro horror del 1978.