Negli anni seguenti all’invenzione dei Lumière (1895) sono stati numerosi gli studiosi e cineasti che nelle loro opere hanno reso omaggio a tali dispositivi. Oltre a Ingmar Bergman potremmo citare Francis Ford Coppola. Il quale, collezionista folgorato da una visita proprio alla Cinémathèque, in Dracula di Bram Stoker (1992, ambientato alla fine dell’800) ci regala una delle sequenze più formidabili della storia del cinema. Il conte Vlad – Gary Oldman, appena sbarcato a Londra, vaga per le strade della metropoli alla ricerca di Mina – Winona Ryder (immagine reincarnata della defunta moglie del conte). Finalmente la trova, attirandola a sé, e la seduzione avrà il suo iniziale culmine proprio davanti, e dietro, ad uno schermo dove sono proiettate alcune immagini in movimento erotiche, ultima meraviglia della scienza.

Ed è proprio Coppola a firmare l’introduzione al volume che vi presentiamo, Lanterna magica e film dipinto. 400 anni di cinema, di Laurent Mannoni e Donata Pesenti Campagnoni, Il Castoro. Il libro, originariamente pubblicato in occasione della mostra tenutasi alla Cinémathèque française (e che si potrà ammirare anche alla Venaria Reale di Torino a partire dal 22 luglio), ripercorre la storia della lanterna magica fino all’avvento del cinematografo. I due autori organizzano il materiale in tre capitoli, all’interno dei quali intrecciano le spiegazioni sul funzionamento del dispositivo alla narrazione dei temi prediletti dai lanternisti e dal loro pubblico: religione, erotismo, viaggi, etc…

Il tutto arricchito da più di 500 foto a colori che da sole valgono il prezzo del libro. Buona lettura!

Lanterna magica e film dipinto. 400 anni di cinema, di Laurent Mannoni e Donata Pesenti Campagnoni, Il Castoro, €40

Come sempre il futuro dell’umanità è un disastro.

Come sempre si è alla ricerca di nuove fonti di energia per riparare ai danni degli uomini.

Come sempre non si può ottenerle senza l’uso della violenza, della sopraffazione, dell’ottusa forza bruta, dei militari insomma.

È il 2154 e su Pandora, nel sistema stellare triplo Alpha Centauri, c’è un ricco giacimento di Unobtainium, fonte enorme di energia.

C’è l’esercito, ma ci sono anche scienziati, che studiano, ammirano e cercano di inserirsi in maniera pacifica all’interno di questo meraviglioso mondo, popolato da bestie fantastiche e dalla civiltà Na’Vi, autoctoni che vivono in forma simbiotica con la natura.

A questo scopo creano degli Avatar, ibridi con l’aspetto d’indigeni controllati attraverso un’interfaccia mentale.

Questi “uomini cammina – nei –sogni”, come li chiamano i Na’Vi, vengono a malapena tollerati, finché un giorno…

Quando la tecnologia supera la fantasia! Il mondo che Cameron aveva sognato per anni (è del 1995, precedente anche a Titanic, la prima stesura della sceneggiatura), è realtà o, per lo meno, 3D.

“Prendiamoci tutto il tempo che ci serve e facciamo le cose come si deve” ha detto il regista al suo cast, esigendo da loro il meglio.

Il più grande gruppo d’esperti nel campo, la Weta Digital, ha lavorato incessantemente superando se stesso, creando una nuova fotografia, girando contemporaneamente con due cineprese HD vicine, a riprodurre la vista dei due occhi.

Ha fatto vivere gli schizzi di Cameron e adattato la bioluminescenza oceanica da lui studiata negli ultimi anni a questo fantastico mondo, dove di notte non serve il fuoco, perché la natura brilla di luce propria.

Al centro di tutto, infatti, c’è proprio la natura. Il fine del film è volutamente chiaro e semplice: ognuno è artefice del proprio destino, e l’umanità sta andando verso la sua autodistruzione. Per capirlo basta il confronto con questa popolazione creata da Cameron, un misto tra i nativi americani (più critici hanno paragonano questo film a Pocahontas) e le popolazioni tribali africane, non a caso due civiltà che hanno subìto l’egemonia occidentale, sono state schiacciate dalla potenza tecnologica, e sono state private dei loro mondi, strappati alle proprie terre, usurpati delle proprie ricchezze.

Ogni cosa all’interno del loro mondo è in stretta connessione. Non solo con la natura ma anche con gli animali è possibile creare un forte legame mentale che permette di comunicare attraverso il pensiero. Anche per questo uccidere è lecito solo per sfamarsi.

Non è difficile quindi l’immedesimazione nel protagonista, che da marine obbediente e violento viene prima ammaliato da questo popolo, ne sposa completamente la causa, diviene uno di loro fino a rinnegare il suo di popolo, preferendo tradirlo che appoggiarlo nell’ingiustizia.

Il suo sogno di poter essere un guerriero che porta la pace è impossibile solo finché è dalla parte di chi copre i propri fini con vili bugie.

Automaticamente il pensiero va ai tanti conflitti in corso, che, spacciati per lotte di liberazione, sono invece vergognose guerre di potere, nuove colonizzazioni, nuovi genocidi.

E per la prima volta un film per la grande massa (quando una produzione spende 237 milioni di dollari per un film, pretende di incassarne almeno altrettanti, alla faccia dei puristi del cinema di nicchia) affronta un argomento attuale, anche se sotto la classica metafora della lotta del bene contro il male, dove i cattivi sono gli umani, rappresentati giustamente dalle multinazionali assetate di soldi, che non guardano in faccia a niente e nessuno, e dal loro braccio violento della legge, i militari.

Il film, che si rifà al classico tema “going-native”, distribuito nei cinema mondiali a metà settembre (solo in Italia l’uscita è stata ritardata per non entrare in concorrenza con i “classici” film di Natale) ha finora incassato quasi due miliardi di dollari.

Per chi volesse approfondirne la conoscenza proponiamo il libro della genesi del film, con introduzioni del produttore Landau e di Peter Jackson, con gli schizzi del regista e tanto altro, dagli affascinanti effetti speciali ai piccoli particolari che caratterizzano i Na’Vi.

A Nicholas Ray, il regista di La Gioventù Bruciata e Johnny Guitar, l’ultima edizione del Torino Film Festival ha dedicato un’approfondita retrospettiva. E puntuale come sempre, presso i tipi del Castoro esce una nuova monografia.

Nicholas Ray fu, insieme a Robert Aldrich, Samuel Fuller e pochi altri, uno degli innovatori del cinema hollywoodiano degli anni cinquanta e beniamino della nouvelle vague (troverete nel libro un intervento di Jean Luc Godard). Un cinema non ancora in crisi – si dovrà aspettare il decennio successivo infatti – ma che mostra i primi segni di decadenza, le prime crepe. I generi, caposaldo dell’industria di Hollywood, iniziano ad essere meno monolitici, venendo via via sempre meno le solide basi ideologiche su cui si erano fondati. E fu proprio attraverso i generi che registi come Aldrich e Ray furono capaci di articolare un loro proprio e originale discorso. Basti pensare a Johnny Guitar di Ray, in cui il western si fonde con la violenza cromatica del melodramma, sulla scia di altri sur-western come Duello al Sole, dando vita ad un film particolarmente allucinato in cui, fatto più unico che raro nei western, l’eroe è un’eroina: Joan Crawford, per l’esattezza.  

Di questo e molto altro parla il volume curato da Emanuela Martini. Oltre a biografia, filmografia e un curato apparato iconografico, oltre a testi dello stesso Ray, il libro è reso ancora più ricco da interventi di critici e appassionati dell’opera di Ray, tra cui spicca (forse per debolezza di scrive) l’intervista allo scrittore americano Jonathan Lethem.

La casa editrice Il Castoro in collaborazione con il Museo Nazionale del Cinema ha recentemente pubblicato un bel volume monografico dedicato a Francesco Rosi.

Dossier Rosi, questo il titolo del libro, è curato dal critico francese Michel Ciment, uno dei maggiori studiosi di Kubrick a livello internazionale. La nuova edizione riprende e amplia la vecchia, datata 1987, aggiornando i materiali fino all’ultima fatica di Rosi, La Tregua (film tratto dall’omonimo romanzo di Primo Levi, star John Turturro, 1997).

Il volume è diviso in tre parti:

- La prima più specificatamente critica, in cui Ciment analizza l’opera di Rosi  nel suo complesso.

- La seconda parte, invece, è costituita da un interessante corpus di interviste in cui il regista napoletano parla dei suoi film.

- La terza infine è una ricca appendice fotografica soprattutto istantanee di Rosi al lavoro.

In appendice al volume ci sono inoltre interessanti documenti utilizzati da Rosi per la realizzazione di alcuni suoi film, come ad esempio la ricostruzione giornalistica dei processi relativi al caso Giuliano.

Ciment considera il regista di Salvatore Giulano come uno dei più importanti del cinema italiano. La carriera di Rosi inizia nell’immediato dopoguerra, come assistente di Visconti per La terra trema, in un momento quindi fondamentale, in pieno neo-realismo (sebbene particolare come quello di Visconti) .

Un’esperienza che quindi dal neo-realismo nasce e che al neo-realismo si può ricollegare per una certa tensione morale e politica, spesso utopica, verso la verità, verità dei fatti, verità della rappresentazione.

Un cinema quello di Rosi, che parte dal fatto di cronaca – le morti misteriose di Giuliano o Enrico Mattei, la speculazione edilizia nella Napoli governata da Dc e camorra (quando la camorra non esisteva, almeno ufficialmente) – e il fatto stesso destruttura, analizza e sviscera nelle sue infinite implicazioni all’interno di una struttura formale di notevole raffinatezza.  Sarebbe infatti sbagliato pensare al film inchiesta nell’accezione rosiana come cosa piatta, noiosa, troppo simile al reportage televisivo e poco al cinema. Come sarebbe sbagliato pensare al cinema di Rosi come politico, politicamente schierato, e in quanto tale necessariamente a tesi.

Anzi è tutto il contrario: il cinema politico di Rosi, politico, schierato, e quindi oggi fuori moda, è tutt’altro che lineare o chiuso, è invece ambiguo, sfaccettato, aperto proprio in virtù di una struttura che simula il reportage, l’inchesta, che mostra il suo farsi (Rosi che ne Il caso Mattei mette la propria faccia nel film, senza per questo risultare “pesante”,denunciando di fatto la misteriosa scomparsa del giornalista De Mauro, suo collaboratore nell’inchiesta sulle ultime ore di Mattei).

Cinema che pone domande, solleva problemi.

Non ci dice chi ha ucciso Mattei, impossibile saperlo, del resto. Ma suggerisce che forse la versione ufficiale non è la verità: è invece lacunosa, insufficiente, non si adatta alla grandezza e complessità dell’uomo e del potere, degli interessi in gioco.

Cinema che, infine, seppure spesso legato al fatto di cronaca non si rivela datato, a rivederlo oggi. Prendere ad esempio Le Mani sulla Città, confrontandolo coi recenti fatti successi a Napoli, monnezza e appalti, politici e industriali, camorra etc…

Si vedrà come poco è cambiato, tranne che il cinema italiano queste cose non ce le racconta più.